Tag: Cinema

Author: Wired

Quando si parla di registi che non sbagliano un colpo si parla di David Fincher. Dopo i suoi vari (e memorabili) Se7en, Fight Club, Zodiac, The Social Network, Millennium e Gone Girl, porta adesso in concorso a Venezia The Killer, con Michael Fassbender e Tilda Swinton.

Un thriller tesissimo diviso in sei capitoli, tratto dalla graphic novel di Alexis Nolent e scritto da Andrew Kevin Walker di Se7en. Si regge in gran parte sulla performance di Fassbender, concentrato e algido più che in L’uomo di neve nei panni del sicario senza nome, un uomo assoldato per la sua maniacale precisione a uccidere e il suo talento a non lasciare tracce. Si mimetizza a Parigi con cappello e occhiali scuri, mirando a confondersi tra la folla e allenandosi a essere invisibile, cosa non facile nel 21mo secolo, sottolinea Fincher.

Courtesy of Netflix

Il segreto del killer perfetto

Lo svela e ripete lui stesso fino allo sfinimento, come un mantra da tenere bene in mente nei momenti cruciali. Essere vigile, calmo ma sempre in movimento, non lasciare traccia ai “folletti” (agenti), nè alle telecamere. Non servire un dio, un Paese o una bandiera. Non provare empatia, che rende deboli e quindi vulnerabili. Giocare d’anticipo, non improvvisare, non fidarsi di nessuno, essere efficiente per un solo motivo: “Non me ne frega un c**o“. Infine chiedersi a ogni passo: “Io che cosa ci guadagno?“.

Peccato che la teoria sia puntualmente sconfitta dalla pratica: malgrado le buone intenzioni e gli anni di esperienza, qualcosa inevitabilmente va storto, a riprova che anche il killer più perfetto può sbagliare. Così, tra posizioni di yoga, sparachiodi, pittbull arrabbiati e cadaveri nel bidone il nostro anti-eroe si ritroverà in una spirale di situazioni sempre più problematiche e pericolose. Durante le quali incontrerà, tra l’altro, tutta una serie di personaggi preannunciati dai titoli dei capitoli, come “l’esperta” detta Cotton Fioc interpretata da Tilda Swinton. Scene di violenza nuda e cruda sono attraversate da battute di umorismo sparse qua e là, utili a spezzare la tensione e a rendere più vivace il ritmo della narrazione, sempre sospesa nell’atmosfera di tensione a cui ci ha abituato negli anni il cinema di David Fincher. È incredibile pensare che questo film sia stato girato “in pandemia e con una maschera addosso“, data la complessità e la riuscita qualitativa di una serie di sequenze d’azione più che credibili.

Author: Wired

Se qualcosa sembra questo film di Polanski è quindi un aggiornamento delle vecchie commedie nel segno dei film di Ruben Ostlund come The Square o Triangle Of Sadness, la quintessenza delle commedie d’autore contemporanee. A scanso di equivoci: Polanski non vuole giocare nel terreno di Ostlund, non vuole qualcosa di realmente sofisticato, semmai vuole aggiornare l’umorismo guardando a quello lì, vuole divertirsi un po’ con un film estremamente leggero che rida di ciò che, evidentemente, fa ridere anche lui. E per una gran parte di The Palace ci riesce, come quando dà una spallata all’attualità, mostrando il discorso di insediamento che proprio in quel giorno, il 31 dicembre del 1999, pronunciò Vladimir Putin introdotto da Boris Yeltsin. Sono le immagini reali e solo per la maniera in cui sono posizionate nel film (e per come parlano dell’oggi) fanno ridere.

Al netto di una fattura che sconta budget non stellari (alcuni momenti dell’hotel visto da fuori, costruito in computer grafica, gridano vendetta), il lavoro sugli attori e su un umorismo decisamente popolare nelle trovate ma molto sofisticato nell’esecuzione, è di primo livello. The Palace aggiunge infatti alla commedia viennese classica una fortissima critica sociale. Quel genere nasceva per far ridere le élite di se stesse, con garbo, era fatto di personaggi sofisticati e amori cortesi tra classici servitori sciocchi o nobiluomini scemi. Era un genere di parola che al cinema è stato reso alla perfezione da Ernst Lubitsch. Ora, quasi 90 anni dopo quelle commedie, Polanski non ride dei ricchi con i ricchi e per i ricchi; ride dei ricchi per chi ricco non è. Li ritrae come mostri della chirurgia con corpi che non fanno che tradirli.

Author: Wired

Si parte dalla fine, da un Leonard ormai anziano che ripercorre la sua vita e dichiara la nostalgia per l’amore della sua vita Felicia Montealegre. Attraverso un lungo flashback in bianco e nero scopriamo chi fosse Leonard da giovane (ode a un make-up di assoluto livello), come sia diventato un direttore d’orchestra, pianista e compositore famoso in tutto il mondo, perché si sia innamorato proprio di Felicia, interpretata in maniera sublime da Carrey Mulligan. Quest’ultima, neanche a dirlo, si conferma l’interprete sensazionale che conosciamo, offre una delle sue performance migliori nei panni prima lievi e spensierati di una giovane attrice alle prese con l’innamoramento, poi di una moglie frustrata dalla doppia vita di suo marito, una bisessualità che Cooper racconta apertamente con il giusto garbo e senza ombra di moralismi, infine di una donna devastata dalla malattia.

Courtesy of Netflix

Bradley Cooper non teme trappole narrative, incede con convinzione e mano ferma sia a livello registico che attoriale, firmando un film delicato, soave, poetico, romantico, difficile da dimenticare. Riesce a raccontare il sogno di un ragazzo dal talento eccezionale e la sua tendenza a non essere “una cosa sola”, tanto a livello creativo quanto esistenziale. Bernstein raccontato da Cooper ci insegna che si può amare la musica d’orchestra come i grandi musical popolari (su tutti, il suo West Side Story), si può stare accanto a una donna tutta la vita e non perdere la voglia di ritrovarsi tra braccia maschili, nel tentativo goffo di voler essere semplicemente se stessi. E tutto questo Cooper sa raccontarlo con intelligenza, evitando ogni superficialità e planando sulle cose vere della vita, fino a regalarci un film emozionante che dice chiaramente a chi guarda, con le parole di Mulligan, che “se non canta nulla dentro di te non puoi fare musica”.

Se la regia e le performance del cast (merita la citazione anche Maya Hawke nei panni della figlia maggiore di Bernstein) non fossero convincenti come sono, bisognerebbe chiudere gli occhi e lasciarsi rapire dalle musiche del film, tutte rigorosamente di Leonard Bernstein. Non ne abusa Cooper, ne fa semmai buon uso, regalandoci delle sequenze memorabili e dei titoli di coda per cui vale la pena rimanere seduti ad ascoltare a fine film. Anche per vedere un ricordo del vero Bernstein in azione.

Author: Wired

Tutto è raccontato con il consueto umorismo di Lanthimos, quello visto in Il sacrificio del cervo sacro, The Lobster e La favorita, anche se è un po’ meno efficace del solito. Questa è una storia fantastica in forma leggera, nella quale Emma Stone dà benissimo corpo e anima alla potenza liberatrice del sesso, lei che solitamente non lavora su quelle corde (quelle della passione carnale) invece centra lo spirito di un corpo gaudente e potente. Come sempre nei film di Lanthimos infatti il sesso è esso stesso una forma di potere e controllo, uno che stavolta la protagonista riesce a ribaltare a suo favore. È lei che non avendo schemi mentali controlla gli uomini, anche quelli sessualmente potenti, come il personaggio interpretato dal solito eccezionale Mark Ruffalo con tantissime sfumature e piccoli dettagli di vanità o stupidità che lui ha la bravura di saper unire a un’aria da dandy che può affascinare una donna con la testa di una ragazzina. Eccezionale.

È il film in sé a deludere. La sua idea formidabile si spegne in un esito molto convenzionale e decisamente terra terra: la famiglia è una gabbia che contiene in piccolo tutte le forme di prevaricazione sociale e violenza che sono proprie della società; è necessaria una piccola rivoluzione per ribaltare tutto; e la conoscenza del mondo a partire dalla propria vagina (o attraverso essa) porta a questa liberazione. Povere creature! non ha davvero nulla di suo da aggiungere o dire su questi ragionamenti ordinari e l’abuso continuo di scenografie in computer grafica di gusto non sempre impeccabile, unite a costumi che parlano di fantasie surrealiste senza che poi queste si trovino nel film (e allora perché?) gli danno un’aria pomposa che non può permettersi.

Tutto il buono delle interpretazioni, dell’umorismo un po’ ingessato (simile a quello di Wes Anderson) e delle tante idee può arrivare solo fino ad un certo punto, oltre quello Povere creature! si deve arrendere di fronte alla sua stessa inconsistenza. Quando verso la fine torna l’idea che l’inadeguatezza sentimentale possa portare le persone a diventare animali, è difficile non pensare a The Lobster e allo spauracchio dei personaggi di quel film, difficile non pensare a come queste idee tipiche di Lanthimos trovassero in quella messa in scena e in quella scrittura lì la valorizzazione che meritano.